In English: ''Artefacto is a mixture of baroque tradition, love of nature led to its limits, and celebrity human traits; always with a burlesque twist and exaggerated so characteristic of this pair of artists''

The phrase that is exposed at the top of this post can serve as abstract art created by Franco Donati Rosario, Argentina, 1979) and Santi Carbonari (Rosario, Argentina, 1983), belonging to the duo Artefacto (Artifact in English), since that work together to perform their individual and successful works. Despite his Argentine origin, are currently working in Spain, specifically in Madrid. The Fresh Gallery, located in the city, hosted an exhibition of these two boys during December 2013 and January 2014 he was called Wonders (Maravillas, in Spanish). A good synthesis of the work of Artefacto. The above gallery also sells numerous works of artists. Similarly, in his official website can be purchased numerous works.

One purpose of these young people is to provide different images that, despite the absurdity, always remember the human being: the center of everything. However, his critics, since artifact works are characterized in most cases by the banality and hypocrisy: very distinctive traits also of the upper classes. Although tremendous defects actually issues these Argentine invite demonstrate that the lives is a kind of theater or circus where you'' dress'' or overact, and where there is no freedom, because people is also very slave of her appearance and what others think of her, which tremendously affects their way of being.

''The cocodrila'', mixed-media printed in French porcelain dish. Artefacto (2013).

In ''The cocodrila'', for example, a large frivolous shown; lust for staying young and florid. The beauty, something that was highly esteemed during various times of the Art History, is now ridiculed with the body of this ''cocodrila'', wrapped in robes of nobility, made-up ad nauseum and topped by a veil and floral ornaments which recalls that ''art'' perfects nature. ''The cocodrila'' is an excellent parody of a woman concerned about her appearance, which returns to the idea of ''​​being slave appearance''. But now appears transformed into a beast. The choice of animal for crocodile representation is something that does not go unnoticed. The reptile, characterized by archaic features, with head, body and tail robust, hard skin at the same flaky and irregular teeth sizes may not be within the canon of beauty to which we are accustomed, especially in the West. However, the ornate crocodile, like the one shown in this dish already existed in Ancient Egypt. The Sobek, governor of the Nile River god symbolized as this beast was wearing jewelry in order to worship. The crocodile, in this civilization, was associated with fertility and growth, characteristic features of running water in general, that is their habitat. Thus, although the crocodile out, or even be revered in other towns, in our culture it is customary to understand it as a wild, strong, unpredictable and cunning creature, which has to do with the darkness of the murky water, and therefore with danger and what is not understood. Taking this rather terrible image, is used to replace a crocodile smug young advocates beauty.

       

                   ''Flamingos'', mixed-media printed in French porcelain dish. Artefacto (2013).

''The cocodrila'', other hand, is no exception in the constant figuration of nature that hits Artefacto. However, it is not so much the nature as a theme, but also so you can appreciate, as expressed ''Flamingos'', and even ''Artificial deer'', quoted below. It is rather an artificial, abundant and even idealized nature, particularly tropical nature that usually adorn the stages of most of the compositions, at the same time the theater curtains in various colors. It is the blend of nature and the wild with the human and cultural; this serves to harmonize the two worlds, so different and yet so inevitably interconnected.

The fact that nature and man unite in scenery Artefacto suggests that they should also merge the characters that populate it. And ultimately, that's right. The teriomorfos characters that bring to mind the gods of the first civilizations lead many of the compositions, such as ''The cocodrila''. This is intended to reflect the instinct and irrationality of man and its link with the primeval environment.

''The queen of apes'',''Lioness queen'' and ''The queen of the birds'', 

mixed-media print on tile. Artefacto (2013).

Through compositions like ''The queen of  apes'' and'' Lioness queen'' shown the above characters with human body and animals face. Although also evident in them,''The queen of the birds'' evidence further ease the use of the'' Madonna and Child'', by the miniaturist Jean Fouquet (1450); this translates into the use of prior art works more or less recognized. This phenomenon linked in some way with the kitsch art. But in this case it is not, for example, a ''Madonna and Child'' by Fouquet printed on the top of an agenda or any everyday object. It is a ''Madonna and Child'' by Fouqet reinvented, where mixed-media ie the virtual editing by software (Photoshop or Gimp, to give possible examples) is used, further comprising décollages and collages alternate colors, different scenario, different medium ... features that make a clear distance with kitsch art.

Moreover, in these three cases, and really in most works of Artefacto, existing items are deleted from the old works (takeoff), and then replace that allow incorporating other (collage), refreshing the appearance of artistic expression, and giving it new aesthetics and values. The madonna itself just underwent modifications. Thus, his clothes were changed color in ''The queen of the birds'', replaced her veil for a crown than they seem showy black and fuchsia feathers, and finally the head of his Jesus supplemented by a parrot as pure as his spirit to be white. In the three works prevails exaltation of a human trait that, unlike in ''The cocodrila'' is not trivial. It is the maternal instinct magnified in both humans and gorillas (''The queen of apes'') and lions (''Lioness queen''). Also, ''The queen of apes'' can symbolize human evolution, remembering that the species is a relative of the gorillas. The three creations also may be an attempt to resemble the Virgin with the Child Jesus, but the representation of animals, creating a religious satire or promoting a notion related to the conservation of environmental welfare. The wheels on both behind ''The queen of apes'' and behind ''Lioness queen'' are astrolabes, very characteristic of the Renaissance and related to the stars, the zodiac and of course travel. The simulated gilt frames reminiscent of Baroque and emperifollan and protect the scene.

While the latter works for tiles were used in the previous two was used as support porcelain plates, mostly French but also, for example, Spanish. It is a way to combine mixed-media print, something completely new, with an antique and classic aesthetic bracket. Porcelain, in particular, provides a degree of these works, powerful refinement. Are reclaimed antique plates, so they avoid the expense of having to manufacture new ones. Once conditioned, the decorated through a vitrification process to the kiln. Simply beautiful artifact reuse materials but abandoned, and load a new look. Moreover, they themselves also allow you to add a touch of originality and uniqueness, for porcelain, which even date back centuries, brings an old value to the works of these Argentines. The fact of reusing materials that were valuable at the time but are now despised and scattered shops is also a way to praise the artistic movement called povera art. However, the production of dyes Artefacto sybaritism a curious contrast enough with the original idea of ​​povera art. Artefacto is definitely an artist duo based in contrast to impact the viewer. Like the Baroque era.

''The mechanical poetess'', mixed-media printed in French porcelain dish. Artefacto (2013).

''The magic lanterns'', mixed-media printed in French porcelain dish. Artefacto (2013).

Finally, if the works that have been commenting Artefacto is characterized by the natural setting and the animals, ''The mechanical poetess'' and ''The magic lanterns'' manifest something quite different: the desire to express the human world. Both involved in a theatrical setting, we try to exalt the entertainment and comedy. The stage is synonymous with entertainment, thus constantly reminds banality cited in the second paragraph of this entry. The idle men go to the theater to enjoy the cultural functions that are performed on it. However, for a man to possess such leisure he must be rich enough to afford to have free time, and also invest in attending a theatrical event. Although today is not as expensive, if it is true that for most of History the theater was directed at the upper classes. In the nineteenth century, the birthplace of modern theater, the bourgeoisie frequented these shows. Artefacto seems to resemble this time, not so much using the backdrop (color), but rather through the configuration of numerous inventions belonging especially to the Second Industrial Revolution, emerged in the late nineteenth century and early twentieth century, as Emile Berliner gramophone (1888), published in ''The mechanical poetess.'' In addition, the name of this work not only refer back to factory, but also makes a critique of the mechanization of all that exists, even creativity. So the poet is able ''to create poems'' if you are paid a price that it determines first. Surely Artefacto well expressed in several works, the rejection of industrialization. The fact that art is bought and sold in this particular form continues to highlight the most terrible qualities of the consumer society, which is the current. In ''The magic lanterns'' is continuous on the line of the Second Industrial Revolution, the rise of the natural sciences. An inventor, stereotypical character this time and half face machining (a sign of taste for the ironic Artefacto), teaches the public of its magnificent theater cinematograph, invented by the Lumière Brothers (1895): synonym for progress in science, but also, in this case, the art, with the advent of cinema. The rough film projector, in turn, presents a picture of another original work of Artefacto: ''Artificial deer'', composition formed by a pair of deer loud and impossible in a bucolic atmosphere colors. Artefacto decided that project this image in ''The magic lanterns'' appears to be intentional. The strange tone of the skins of deer reported the presence of heavy pollution, which is perceived by the emergence of massive industrialization, and especially during the XXI century. Going beyond even the skins of live and rare tones notifies the arrival of genetic recombinations based on scientific progress, which can modify the appearance of life forms for your pure enjoyment'' alternative'' palette. It is, ultimately, a slave nature of contemporary inventor and scientist, and that he may be subjected to various dangers for it.

Finally, note that ''The magic lanterns'' is so named because a ''lantern'', ie, the light projector is capable of displaying a completely different reality that exists in the theatrical moment. A reality that has a space and a different time to the contemporary. It is, pure logic equivalence that led to the spectacular film at the time it arose.

''Artefacto es una mezcla de tradición barroca, gusto por la naturaleza llevado a sus límites, rasgos humanos y farándula; siempre con un toque burlesco y exagerado tan característico de este par de artistas''

La frase que se expone en la cabecera de esta entrada puede servir como resumen del arte creado por Franco Donati (Rosario, Argentina, 1979) y Santi Carbonari (Rosario, Argentina, 1983), pertenecientes al dúo Artefacto, puesto que colaboran juntos para realizar sus particulares y logradas obras. A pesar de su origen argentino, actualmente están trabajando en España, más concretamente en Madrid. La Fresh Gallery, situada en dicha ciudad, albergó una exposición de estos dos muchachos durante diciembre de 2013 y enero de 2014. Fue la denominada Wonders (Maravillas, en español): una buena síntesis de la obra de Artefacto. La susodicha galería también vende obras de los artistas. Igualmente, en su página web oficial pueden adquirirse numerosas obras.

Uno de los propósitos de estos jóvenes es conseguir aportar diversas imágenes que, pese a lo absurdas que son, recuerdan siempre al ser humano: el centro de todo. No obstante, lo critican, puesto que las obras de Artefacto se caracterizan, en la mayoría de ocasiones, por la banalidad y la hipocresía: rasgos muy distintivos también de las clases altas. Aunque son defectos tremendos, en realidad los temas de estos argentinos invitan a demostrar que la vida de las personas es una especie de teatro o de circo donde hay que ''disfrazarse'' o sobreactuar, y donde no existe la libertad, pues la gente es también muy esclava de su apariencia y de lo que los demás opinan de ella, lo cual condiciona tremendamente su forma de ser.

''La cocodrila'', mixed-media impreso en plato de porcelana francesa. Artefacto (2013).

En ''La cocodrila'', por ejemplo, se muestra una gran frivolidad; el ansia de conservarse joven y lozano. La belleza, algo que fue muy estimado durante diversos momentos de la Historia del Arte, ahora queda ridiculizado con el cuerpo de esta ''cocodrila'', envuelto en ropajes de la nobleza, maquillado hasta la saciedad y coronado por un velo y adornos florales los cuales recuerdan que ''el arte perfecciona la naturaleza''. ''La cocodrila'' es una excelente parodia de una mujer preocupada por su aspecto físico, lo cual vuelve a la idea de ser ''esclava de su apariencia''. Pero ahora aparece transformada en una bestia. La elección del cocodrilo como animal para la representación es algo que no pasa desapercibido. El reptil, caracterizado por sus rasgos arcaicos, con cabeza, cuerpo y cola robustos, piel dura a la par que escamosa y dientes de tamaños irregulares, no podría situarse dentro del canon de belleza al que se nos acostumbra, especialmente en Occidente. Sin embargo, el cocodrilo adornado, como el que aparece en este plato, ya existía en el Antiguo Egipto. El dios Sobek, gobernador del río Nilo, simbolizado como dicha fiera era ataviado con joyas con el objetivo de rendirle culto. El cocodrilo, en esta civilización, se asociaba con la fertilidad y el crecimiento, rasgos característicos del agua corriente en general, que es su hábitat. De este modo, aunque el cocodrilo fuera o incluso sea venerado en otros pueblos, en nuestra cultura lo habitual es entenderlo como una criatura salvaje, fuerte, impredecible y astuta, que tiene que ver con lo oscuro de las aguas turbias, y por tanto, con el peligro y lo que no se entiende. Aprovechando esta imagen más bien terrible, se utiliza al cocodrilo como sustituto de una joven presumida que aboga por la hermosura.

                
       ''Flamencos'', mixed-media impreso en plato de porcelana francesa. Artefacto (2013).

''La cocodrila'', por otro lado, no es una excepción en la constante figuración de la naturaleza que realiza Artefacto. Sin embargo, no es tanto la naturaleza como tema, aunque de este modo también se pueda apreciar, tal y como expresa ''Flamencos'', e incluso ''Ciervo artificial'', que se cita más abajo. Es más bien una naturaleza artificiosa, abundante e incluso idealizada, de carácter especialmente tropical, que suele adornar los escenarios de la mayoría de las composiciones, a la par que los telones de teatro en diversos tonos. Es la mezcla de la naturaleza y lo salvaje con lo humano y cultural; ésto sirve para armonizar ambos mundos, tan distintos y a la vez tan inevitablemente conectados entre sí.

El hecho de que la naturaleza y el hombre se unan en los paisajes de Artefacto hace pensar que también se deberían fusionar en los personajes que los pueblan. Y, en definitiva, así es. Los personajes teriomorfos, que traen a la memoria a los dioses de las primeras civilizaciones lideran muchas de las composiciones, como en ''La cocodrila''. De este modo se intenta reflejar el instinto y la irracionalidad del hombre, así como su enlace con el entorno más primigenio.

     

                   ''Reina de los primates'', ''Reina de los leones'' y ''Reina de las aves'', 
                                    mixed-media impresos en azulejo. Artefacto (2013).

A través de composiciones como ''Reina de los primates'' y ''Reina de los leones'' se muestra a los citados personajes con cuerpo humano y rostro animal. Aunque en ellas también se hace patente, ''Reina de las aves'' evidencia con todavía más facilidad el empleo de la''Madonna con el Niño'', del miniaturista Jean Fouquet (1450); ésto se traduce en el uso de obras de arte anteriores, más o menos reconocidas. Dicho fenómeno enlaza de alguna forma con el arte kitsch. Pero en este caso no se trata, por ejemplo, de una ''Madonna con el Niño'' de Fouquet impresa en la tapa de una agenda o cualquier objeto de uso cotidiano. Es una ''Madonna con el Niño'' de Fouquet reinventada, donde se emplea el mixed-media, es decir, la edición virtual de imágenes mediante programas informáticos (Photoshop o Gimp, por poner ejemplos posibles), además incluyendo décollages y collages, colores alternos, escenario distinto, soporte diferente... características que marcan la clara distancia con el arte kitsch.

Por otro lado, en estos tres casos, y realmente en la mayoría de obras de Artefacto, se suprimen elementos existentes en las antiguas obras (décollage), para luego incorporar otros que permiten sustituirlos (collage), refrescando la apariencia de la manifestación artística, dotándola así de nueva estética y valores diferentes. La madonna en sí apenas sufrió modificaciones. De esta forma, sus ropajes fueron cambiados de color en ''Reina de las aves'', su velo reemplazado por una corona de lo que parecen vistosas plumas negras y fucsias, y finalmente, la cabeza de su Jesús suplida por la de un loro tan puro como su espíritu al ser de color blanco. En las tres obras prevalece la exaltación de un rasgo humano que, al contrario que en ''La cocodrila'', no es banal. Se trata del instinto maternal, muy engrandecido tanto en los humanos como en los gorilas (''Reina de los primates'') y los leones (''Reina de los leones''). También, ''Reina de los primates'' puede simbolizar la evolución humana, recordando que la especie es pariente de los gorilas. Las tres creaciones, además, pueden ser un intento de asemejarse a la Virgen con el Niño Jesús, pero con la figuración de animales, creando una sátira religiosa o bien promocionando una noción relacionada con la conservación del bienestar medioambiental. Las ruedas situadas tanto detrás de ''Reina de los primates'' como detrás de ''Reina de los leones'' son astrolabios, muy característicos del Renacimiento y relacionados con los astros, el zodiaco y por supuesto los viajes. Los simulados marcos dorados recuerdan al estilo barroco y emperifollan y protegen el escenario. 

Si bien para estas últimas obras se emplearon azulejos, en las dos anteriores se utilizó como soporte platos de porcelana, mayormente francesa pero también, por ejemplo, española. Es una forma de combinar la estampa mixed-media, algo totalmente novedoso, con un soporte antiguo y de estética clásica. La porcelana, en concreto, proporciona a estas obras un grado de refinamiento potente. Son platos recuperados de anticuarios, lo que evita el gasto de tener que fabricarlos nuevos. Una vez los acondicionan, los decoran mediante un proceso de vitrificación al horno. Simplemente, Artefacto reutiliza materiales bellos pero abandonados, y los carga de una nueva apariencia. Además, ellos por sí mismos también permiten añadir un toque de originalidad y de unicidad, pues la porcelana, que se fecha incluso de siglos atrás, aporta un valor antiguo a las obras de estos argentinos. El hecho de reutilizar materiales que en su momento fueron valiosos pero que ahora son despreciados y desperdigados en tiendas es también una manera de alabar la tendencia artística denominada povera. Sin embargo, tiñe a la producción de Artefacto de un curioso sibaritismo que contrasta bastante con la idea original de arte povera. Artefacto es, en definitiva, un dúo de artistas que se basan en los contrastes para impactar al espectador. Al igual que la época barroca.

''La poetisa mecánica'', mixed-media impreso en plato de porcelana francesa. Artefacto (2013).

''Las linternas mágicas'', mixed-media impreso en plato de porcelana francesa. Artefacto (2013).

Finalmente, si las obras que se han ido comentando de Artefacto se caracterizan por la ambientación natural y los animales, ''La poetisa mecánica'' y ''Las linternas mágicas'' manifiestan algo bastante distinto: el deseo por expresar el mundo humano. Envueltas ambas en un escenario teatral, se intenta exaltar la farándula y la comedia. El escenario es sinónimo de entretenimiento, por tanto, recuerda constantemente a la banalidad citada en el segundo párrafo de esta entrada. Los hombres ociosos van al teatro a disfrutar de las funciones culturales que en él se realizan. Sin embargo, para que un hombre disponga de dicho ocio es necesario que sea lo bastante rico como para permitirse tener tiempo libre, y además invertirlo en acudir a un evento teatral. Aunque en la actualidad no es tan costoso, si es cierto que durante buena parte de la Historia el teatro estaba dirigido a las clases altas. En el siglo XIX, cuna del teatro moderno, la burguesía frecuentaba estos espectáculos. Artefacto parece querer asemejarse a esta época, no tanto mediante el uso del telón (de colores), sino más bien a través de la figuración de numerosos inventos pertenecientes, especialmente, a la Segunda Revolución Industrial, surgida a finales del siglo XIX y a principios del siglo XX, tal y como el gramófono de Emile Berliner (1888), que aparece en ''La poetisa mecánica''. Además, el nombre de esta obra no sólo vuelve a referirse a lo fabril, sino que también realiza una crítica hacia la mecanización de todo lo existente, incluso de la creatividad. Por eso, la poetisa es capaz de ''crear poemas'' si se le paga un precio que ella determina primero. Sin duda, Artefacto expresa así, en varias obras, el rechazo hacia la industrialización. El hecho de que el arte se compre y se venda de esta forma tan particular no deja de resaltar las cualidades más pésimas de la sociedad consumista, que es la actual. En ''Las linternas mágicas'' se continua en la línea de la Segunda Revolución Industrial, con el auge de las ciencias exactas y naturales. Un inventor, personaje estereotipo de esta época y con rostro medio mecanizado (una muestra más del gusto por lo irónico de Artefacto), enseña al público del teatro su magnífico cinematógrafo, invento de los hermanos Lumière (1895): sinónimo de los avances en la ciencia, pero también, en este caso, del arte, con la aparición del cine. El rudo proyector fílmico, a su vez, expone una imagen de otra obra original de Artefacto: ''Ciervo artificial'', composición formada por un par de ciervos de colores estridentes e imposibles en una atmósfera bucólica. Que Artefacto decidiera proyectar esta imagen en ''Las linternas mágicas'' parece ser algo intencionado. Los extraños tonos de las pieles de los cérvidos notifican la presencia de una fuerte contaminación, la cual se percibe desde el surgimiento de la industrialización masiva, y especialmente durante el siglo XXI. Yendo más allá, incluso, las pieles de tonos vivos y raros notifican la llegada del progreso científico basado en las recombinaciones genéticas, las cuales pueden modificar la apariencia de las formas de vida por ''puro disfrute de su alternativa gama de colores''. Es, en definitiva, una naturaleza esclava del inventor y del científico contemporáneo, y que puede verse sometida a diversos peligros por ello. 

Por último, resaltar que ''Las linternas mágicas'' se denomina así porque una ''linterna'', es decir, la luz del proyector, es capaz de mostrar una realidad completamente diferente a la que se vive en el momento teatral. Una realidad que alberga un espacio y un tiempo distintos a la contemporaneidad. Es, por pura lógica, una equivalencia a la espectacularidad que provocó el cine en el momento en que surgió.